lunes, 26 de junio de 2017

Crítica: HUELLA

Un juego de huellas

Esta semana tuvimos el estreno de “Huella”: ocho improvisadores presentarán sus historias en un espectáculo de improvisación testimonial dirigido por Carol Hernández. Por función, un  improvisador será elegido por el público para ser el protagonista y conoceremos su historia a través de juegos y dinámicas que mezclará su testimonio real con elementos de ficción, un viaje personal por etapas de su vida que todos los improvisadores irán proponiendo en el transcurso de la función. “Huella” es un espectáculo que habla de recuerdos, aquellos que quedan en nosotros inconscientemente a través de la historia del improvisador elegido.

El ambiente lúdico se siente desde inicio a fin, desde la persona que entrega las entradas hasta el final del espectáculo. Al ingresar a la sala se le pregunta a cada espectador sobre quién de todos los improvisadores quiere que protagonice la función del día. La elección es inmediata y tienes como único referente las caricaturas de cada improvisador. Me pareció un buen primer paso para que el público se vaya aclimatando al juego que propone la obra.

El escenario es neutro: todo de negro, vacío. Los improvisadores empiezan a interactuar con el público, preguntando ideas para poder ponerlas en práctica en la improvisación. Cada una de las ideas las van escribiendo en las paredes con tiza, como si estuviesen improvisando la escenografía con frases escritas en las paredes; esto se repite durante toda la obra, llegando a llenar a pared con la esencia de lo contado en la función. El vestuario de los improvisadores contaba con un “logo” personal: caricaturas de ellos mismos impresas en sus polos. Cada uno de estos elementos fueron claves que, sin que el público se dé cuenta, nos iban preparando para un viaje.

El espectáculo cuenta con una clara estructura secuencial que es fácilmente acomodable para cada una de las funciones. Esto permite que, sea quien sea el protagonista, se pueda seguir la estructura con diferente información. La musicalización la hacían ellos mismos para acompañar la historia a través de ritmos, palmoteos y tarareos improvisados. Toda esta improvisación musical era dirigida por uno de ellos, con una serie de códigos pertenecientes a una técnica llamada Soundlooping*; este recurso aportaba mucho a la atmósfera de la obra pues no habría habido mejor recurso, tratándose de un espectáculo de improvisación, que usar música improvisada. Incluso en la manera de incluir la musicalidad en la historia tenía mucho tino, una plasticidad que pareciera previamente concebida.  Existía un nivel de conexión muy fuerte entre todos los improvisadores; se nota un enorme trabajo de investigación tanto personal como grupal, una disposición para reconocerse a sí mismo, darse a conocer y conocer al otro. Este nivel de conexión ha sido el principal motor de esta obra: se notaba que cada improvisador contaba con toda la información real necesaria para poder jugar con ella y crear escenas que, si bien no son iguales a la realidad, tienen elementos de verdad y son estimulantes de ver.

A veces solo hace falta estar dispuesto a jugar. La mayoría de espectáculos teatrales no incluye al espectador como compañero en el viaje escénico. Son ramas como la Impro las que nos permite ser parte de lo que ocurre en escena. Como jugando, “Huella” nos deja una invitación a recordar, a poder ver aquellas huellas que están impregnadas en nosotros hasta ahora, a jugar con la imaginación, a revivir aquellas sensaciones que nos llevaron alguna vez a mil por hora.

*Soundlooping: lenguaje en señas para crear música improvisada en grupo.

Stefany Milagros Olivos
26 de junio de 2017

Crítica: CONFUSIÓN EN EL CUENTO

Reencontrándome con mi niña interior

Debo reconocer con absoluta franqueza que había olvidado la última vez que fui a ver teatro para niños; aunque con certeza debo haberlo pasado tan bien como en esta ocasión. La obra “Confusión en el cuento”, dirigida por Vivi Neves y producida por Renato Pantigozo, es una muestra para toda la familia que se presenta hasta fines de julio en el teatro de Cámara del C.C. “El Olivar”, con un elenco de jóvenes talentos que representan a Panda Teatro Impro.

Una buena estrategia fue el hecho de reunir a los niños asistentes antes de empezar la función y a través de un mini concurso, romper el hielo y darles las recomendaciones que debían seguir durante la misma. Ello, dirigido por un actor del elenco, quien con mucho tino e ingenio logró captar la atención de los chicos.

Dicho esto, en el transcurso de la obra, pensaba cuán difícil y delicado debe ser preparar y representar una obra dirigida a un público tan especial como son los niños. Hacer reír, de por sí, es tremendo trabajo para un artista en escena; pero, si hablamos de un público infantil, el esfuerzo debe ser aún mayor. Puede pensarse que este tipo de teatro es más relajado o “light” como dirían algunos y que es un trabajo sencillo. Particularmente, no lo creo, y es que este género tiene peculiaridades y matices que lo hacen único, no solo por la clásica presencia del clown sino por detalles que deben cuidarse (escenografía, luces, sonido, vestuario, entre otros) para enviar un mensaje positivo y utilizar las regulaciones necesarias para no caer en excesos.

Como su propio título lo dice, en la representación se pretende contarle un cuento al público; no obstante, cada actor ha ensayado un relato distinto y al no contar con un guion uniforme, entreveran las historias de la Caperucita Roja, Blancanieves y los tres chanchitos, construyendo así una divertida versión de los tres. Las actuaciones individuales fueron bastante acertadas, destacando la dulzura de la Caperucita y la candidez de un joven Lobo, que al final sorprende con su astucia. Lo cierto es que la atención de niños y adultos logró capturarse, las risas y murmullos eran la prueba de lo bien que se entendía la trama a pesar de la premeditada confusión. Con una escenografía sencilla pero adecuada, en donde los puntos notables fueron la agilidad, el dinamismo y la presencia constante de los actores, conjugándose con la música y coreografías –que evidentemente se requieren en este género para mantener el interés del público- así como la puntualización de los gestos y el lenguaje corporal –esencial para transmitir el mensaje- elementos que se lograron con éxito.  

Por otro lado, no tengo la certeza desde qué edad era permitido el ingreso (había niños muy pequeños) y que se inquietaran era algo previsible; pero, dejando de lado ese punto, se valora el trabajo realizado. Sin duda, reí mucho y me reencontré con esa niña que alguna vez fui.

Maria Cristina Mory Cárdenas
26 de junio de 2017

Estreno: DIME QUE TENEMOS TIEMPO

MONTAJE DE LA ESCUELA DE ARTES ESCÉNICAS DE LA UNIVERSIDAD CIENTÍFICA DEL SUR

Dramaturgia: César de María
Dirección: Mayra Barraza
En escena: Anaí Padilla, Tamara Padilla.
Estreno: 1 de julio de 2017

Funciones:
Sábado 1 de julio - 4 p.m. y 8 p.m.
Domingo 2 de julio -  4 p.m. y 8 p.m.
Sábado 8 de julio - 4 p.m.
Domingo 9 de julio- 4 p.m.
Lugar: Teatro Ensamble (Av. Bolognesi 397 - Barranco)

La Universidad Científica del Sur y Neón Producciones presentan la obra “Dime que tenemos tiempo” del dramaturgo peruano César de María dentro del marco del curso Montaje teatral I de la escuela de Artes Escénicas. La obra se presentará en el Teatro Ensamble el sábado 01 y domingo 02 de julio en doble función a las 4 p.m y 8 p.m., y el 08 y 09 de julio a las 4 p.m.

“Dime que tenemos tiempo” muestra a dos actrices que interpretan a Valentina y Mariví, el famoso dúo cómico que emocionó a la teleaudiencia en los años setenta como “Cachavacha y Pachuca”. Han pasado treinta y cinco años desde su última presentación juntas, tiempo donde la fama se ha diluido como su amistad.

Sin embargo, una gran suma de dinero las seduce a reencontrarse para volver a dar vida a este dúo que les trajo aplausos y reconocimiento pero a la vez resentimientos y decepciones. ¿Qué hay detrás de estos dos personajes? ¿Qué se esconde detrás de esta ficción? ¿Qué pasará cuando vuelvan  a juntarse, cara a cara Cachavacha y Pachuca, Valentina y Mariví?
“Dime que tenemos tiempo” de César de María es una comedia que se apoya en el recurso audiovisual, envolviendo al espectador en el sueño roto de un dúo de artistas, tan duro y contemporáneo como entretenido y dinámico.

Las entradas se pueden adquirir en el correo de Neón producciones: produccioneon@gmail.com o en el mismo teatro a partir de las 3 p.m. Universitarios y Jubilados: 15 soles. General: 30 soles. 

Para coordinaciones de prensa con el elenco o directora comunicarse con Angela Andrea Claros  (cel. 988690149) o al correo produccioneon@gmail.com

sábado, 24 de junio de 2017

Convocatoria: PROYECTO VENTANA 26

Iniciativa de Jorge Eines, en base a su libro Las 25 ventanas

FECHA DE CIERRE: DOMINGO 9 DE JULIO

El LABORATORIO DE CREACIÓN ESCÉNICA EINES y el Centro Cultural de España, con el apoyo de la Editorial Gedisa, abren la convocatoria para el PROYECTO VENTANA 26. Esta propuesta de investigación escénica es una iniciativa del maestro Jorge Eines y su fecha de cierre es el domingo 9 de julio.

Para el proceso de investigación el libro de Las 25 ventanas de Eines servirá como impulso para la reflexión teórica y se pretende, a través de la convocatoria, reunir a ocho profesionales (2 directores, 4 actores/actrices y 2 dramaturgos) de Lima. Junto a ellos, se realizará un proceso de investigación teórico – práctico sobre la técnica que será posteriormente utilizado en la creación del libro “Ventana 26” futuro libro de Jorge Eines. Este mismo proceso busca desarrollarse en Argentina, Chile, México y Madrid también.

La Convocatoria está abierta hasta el 9 de julio del presente año. Las fechas para el proceso de investigación serán siete fechas de julio a diciembre del 2017. Tendrá una duración de 5 meses y medio y sus conclusiones formarán parte del próximo libro de Jorge Eines publicado con el sello de la Editorial Gedisa (España). Además,  se concluirá con una sesión práctica abierta al público. El laboratorio estará a cargo de la creadora escénica Rocío Limo y la asistencia del actor Walter Ramírez, ambos miembros del Laboratorio de creación escénica EINES – LIMA.

Dentro de los objetivos del Proceso, se encuentra el hacer visible, en doce encuentros, la existencia de un pensamiento teórico y técnico integrador así como producir un discurso transversal que postergue diferencias que, a su vez, establezcan vínculos entre actor, autores y directores alrededor de un acontecer profesional, habitualmente más preocupado por la subsistencia que por la excelencia. Se deberá romper con escenarios de simplificación y no asumir la simpleza como condición inevitable para reflexionar sobre el arte; la búsqueda de un pensamiento en común, creador de herramientas tanto teóricas como prácticas; profundizar en las relaciones de articulación del arte con la ciencia, buscando instancias de equilibrio tanto en los acuerdos teóricos como prácticos y, finalmente, el abordaje de lo artístico con cuatro focos: semiótica, antropológico, filosófico y sociológico.

Para temas de conocer la metodología de la propuesta puede comunicarse al correo electrónico info@laboratoriocreacionescenica.com.

Estreno: EL REFUGIO

Microteatro del 6 de julio al 13 de agosto

Sinopsis: Ani ha dejado a su familia e invade la casa de su amiga Ceci, pero esta, acostumbrada a su vida solitaria, hará lo imposible por hacerla reaccionar y sacarla de su casa. De pronto un evento inesperado las hará enfrentarse a una propuesta peligrosa pero muy tentadora.

Actores: Andrea Luna, Monserrat Gómez de la Torre y Jorge Black Tam.
Director: Jorge Robinet
Lugar: Microteatro Lima (Jr. Batallón Ayacucho 271, Barranco)

Temporada: del jueves 6 de julio al domingo 13 de agosto (20 días de función / 5 pasadas por día de función / 15 espectadores por pasada / total de 1500 asistentes durante la temporada / además de los 1500 asistentes por cada una de de las otras 10 obras que se presentan en paralelo durante la presente temporada de Microteatro - Por vanidad)

Horario: Horario estelar — Jueves, viernes y sábados de 8 a 10 p.m. y domingos de 7 a 9 p.m.

Contacto:
Monserrat Gómez de la Torre
paraoteatro@gmail.com
988 760 109

viernes, 23 de junio de 2017

Reestreno: LOS COSMONAUTAS Y LA GALAXIA ESPANTO

UNA AVENTURA ESPACIAL PARA DISFRUTAR EN FAMILIA

El Centro Cultural Ricardo Palma se prepara para viajar por el espacio desde el 01 de Julio hasta el 06 de agosto a las 4:00 pm con “Los Cosmonautas y La Galaxia Espanto”.

En su tercera temporada esta obra para toda la familia y en especial para los más pequeños de la casa regresa recargada. Aventura, juego, y música en medio del universo estarán en el escenario para vivir un viaje de otra galaxia. Esta propuesta original brinda un acercamiento y aprendizaje del espacio exterior para los niños desde experiencias lúdicas y creativas  sobre los planetas, estrellas y galaxias.

Esta divertida historia gira en torno a los años de oscuridad que atraviesa el planeta Tierra por la desaparición del sol. Es allí cuando dos viajantes estelares tendrán que vencer sus miedos rumbo a la galaxia Espanto para atrapar tres estrellas que logren devolve la luz a sus vidas y a la humanidad.

La dirección de la obra estará a cargo de Déborah Grández, Bachiller de la especialidad de Artes Escénicas de la PUCP,  con un "expertise" en dirección teatral, profesora y directora artística del colectivo Taripay Pacha, quien ha participado en diversos proyectos teatrales de la PUCP. El elenco está conformado por: Aura Guío, actriz, actualmente creativa de marca de Mad Science y Aldo Bonatto, actor con experiencia en teatro para niños.

“Los Cosmonautas y La Galaxia Espanto” está preparada para que los niños despierten su curiosidad por el conocimiento de todo lo que nos rodea en el espacio y desarrollar sus habilidades tanto intrapersonales e interpersonales relacionadas a la confianza personal y el vencimiento de los miedos. El costo de las entradas van desde S/.15 para niño y estudiantes y S/.25 entrada general. Pueden conseguirlas en la boletería del teatro CC RICARDO PALMA (Larco 770, Miraflores).

Estreno: “… EN TU VIBRAR MI QUEBRANTO”

Acercamiento sensible a los años de violencia ocurridos en el Perú

Estudiantes vibran y expresan con su voz y su cuerpo, fragmentos de la memoria social del país, con la dirección de Ana Correa. 
Del sábado 01 al sábado 08 de julio del 2017 en el Memorial “El Ojo que Llora”, en Jesús María.

Las difíciles experiencias vividas por jóvenes que fueron víctimas de la violencia, junto a memorias personales, sirven de base para “… en tu vibrar mi quebranto” una creación colectiva, dirigida por Ana Correa, que se presentará del sábado 01 al sábado 08 de julio del 2017 en el Memorial “El Ojo que Llora”, en Jesús María.

La puesta, de los alumnos del sétimo ciclo de la Especialidad de Teatro de la Facultad de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú, busca construir, desde la ficción, un espectáculo testimonial de acción escénica que se encuentra en las fronteras de la narración, el accionismo, el teatro, la danza con objetos y la música.

El montaje está dirigido especialmente a espectadores jóvenes en vista de la importancia que tiene para las nuevas generaciones de actores y actrices sostener un acercamiento sensible a los años de extrema violencia ocurridos en el Perú entre 1980 y el 2000 a fin de crear, a través del arte, productos sensibles que permitan tener presente lo vivido para no repetir ni dejar repetir.

Los estudiantes vibran y expresan con su voz y su cuerpo, fragmentos de la memoria social del país simbolizados en el laberinto de "El Ojo que Llora". Así, entretejen fragmentos de su memoria personal, de la directora de la obra, de la creadora del memorial, Lika Mutal, y de los cientos de jóvenes peruanos a quienes la muerte arrebató de sus estudios y de la vida.
 El elenco está conformado por Silvana Astorne, Jano Baca, Jorge Grazid, Daniela Feijoó, Lorena Guillén, Muki Sabogal, Marjorie Roca, Andrea Rojas, Darill Silva, Emma Suito, Andy Valdivia, Juan Piero Vidal.

“… en tu vibrar mi quebranto” se presenta del sábado 01 al sábado 08 de julio del 2017 a las 12 del mediodía, a excepción del jueves 06 a la 1 de la tarde. Lugar: Memorial “El Ojo que Llora”, en la Avenida Salaverry 1° cuadra s/n, Jesús María (Altura del estacionamiento Club Lawn Tennis).

Agradecimiento muy especial a APRODEH a través del voluntariado Caminos de la Memoria, al Instituto de Democracia y Derechos Humanos, y la Dirección de Actividades Culturales de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Muestra: CURSO DE ESPECIALIZACIÓN DE DRAMATURGIA Y TEATRO POLÍTICO

Organizado por el Goethe-Institut y el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico

Este sábado 24, desde las 4pm hasta las 8 pm se llevará a cabo la muestra final del Curso de Especialización de Dramaturgia y Teatro Público, donde 20 participantes del curso presentarán sus proyectos a través de perfomances, puestas en escena y dramatizaciones que ahondarán en la memoria colectiva del país sobre sucesos como la guerra interna de los años 80 y 90.

Este curso de dramaturgia, que empezó en setiembre de 2016, tuvo como objetivo conocer y complejizar, desde el teatro, relatos que ahonden en la memoria colectiva del país, especialmente en conflictos como la guerra interna de los años 80 y 90.

Es una apuesta por un teatro creador de memoria que ponga en presente el pasado en toda su complejidad, donde se encuentren y confronten las distintas versiones; en definitiva donde se desarrollen discursos críticos y propicien una reflexión colectiva sobre nuestras maneras de vincularnos en el presente.

Entre los docentes se ha contado con artistas de la talla de Alberto Conejero (España), Luisa Pardo (México, grupo Lagartijas tiradas al sol), Fabio Rubiano (Colombia), Hans-Werner Kroesinger y Regina Dura (Alemania); el crítico Javier Ibacache (Chile), además de diversos participantes peruanos de altísimo nivel como Miguel Rubio (Yuyachkani), el psicoanalista Max Hernández, el crítico Victor Vich, la guionista Giovanna Pollarolo, la fotógrafa y curadora Mayu Mohanna, entre otros.

La muestra es el resultado de nueve meses de talleres intensivos, conferencias y asesorías, que incluyeron herramientas prácticas y espacios de discusión conceptuales. Ello ha derivado en la construcción de proyectos individuales de dramaturgia desde diferentes perspectivas y estilos narrativos. Esta muestra se realizará este sábado 24 en el Centro Cultural Cine Olaya, un antiguo cine recuperado para la creación y difusión de las artes (ubicado en la av. José Olaya 645, Chorrillos) a partir de las 4pm. 

Participan Liliana Albornoz / Abril Cárdenas / Héctor Gálvez / Eka Horna / Renzo García / Janet Gutarra / Maricarmen Gutiérrez / Lucero Medina / Rosela Millones / Sara Paredes / Mirella Quispe / Kevin Rodríguez / Pepe Santana / Claudia Tangoa / Miguel Ángel Vallejo / Mavi Vásquez / Fernando Verano / Paola Vílchez / Erick Weis / Gaby Yepes.

Crítica: INFORTUNIO

Entre Eros y Tánatos

Con Infortunio nos encontramos ante un dramaturgo (Gino Luque) y un director (Mikhail Page) que han venido generando controversias sobre sus trabajos, controversias muy saludables, porque permiten a doctos y legos confrontarnos ante experiencias estéticas no concesivas en las que se demanda una participación más activa y comprometida del espectador. El arte teatral es un acontecimiento vivo y presente, siempre en constante evolución y reflexión, donde la estética del acontecer nos sitúa en experiencias extra cotidianas, que no siempre buscan la complacencia pero sí una vinculación y la construcción compartida de un sentido, más allá de gustos y preferencias.

Del texto parte una exigencia hacia el espectador, cosa que Page ha asumido con todo el compromiso que el riesgo de la creación también exige; ética y moral no pueden estar al margen y si esto sucede es la negativa del espectador a querer ver(se en) el mundo que habita, pues sí, el mundo de hoy tan globalizado que ha modificado las fronteras de lo personal y de lo íntimo por el uso de las redes sociales también ha permitido que construyamos nuestros perfiles tal como queremos que nos vean y no siempre como en realidad somos, en un mundo donde la violencia nos invade y donde la pregunta parece ser si la pasión siempre nos conducirá a la tragedia. Así como con Tristán e Isolda, no se puede dejar de pensar en Romeo y Julieta o en el triángulo de Bodas de sangre, ¿es que tendremos que escoger entre lo que la sociedad demanda o lo que sentimos quemándonos internamente?

Page construye sobre el escenario una poética de la cual debemos ser cómplices para cerrar el momento, una poética que crea sus propias convenciones de teatralidad desde las cuales debemos compartir una pasión que se desborda en este mundo posmoderno, donde las circunstancias crean su propio marco y que parecen haber estado dispuestas a la manera de un oráculo griego, pero que en verdad son construidas por sus propios protagonistas. Eros y Tánatos nos atrapan sin escapatoria.

Evidentemente no es una obra que concede, su trasgresión nos obliga a responder si entramos, fisgoneamos mórbidamente o nos desprendemos totalmente, no hay puntos intermedios. Nada hay naif, ni siquiera las citas directas a determinadas películas y directores de cine que conectan una serie de referentes que pertenecen al imaginario colectivo y que hacen un guiño a los gustos estéticos del director.

Un montaje de atmósfera sórdida, construida por una acertada iluminación (Carmenrosa Vargas), donde el erotismo y la sexualidad discurren con una potencia avasalladora por este mundo perturbador cuyos personajes parecen ser sus únicos habitantes. Si bien se puede caer en la tentación de elogiar la dupla Iker (Eduardo Camino) y Amaia (Katerina D'Onofrio), los trágicos amantes, en realidad es el cuarteto que se sostiene a sí mismo, sumemos pues a Ainoa (Karina Jordán) y a Markel (Sebastián Monteghirfo), sus respectivas parejas; sin embargo, pareciese que la velocidad del director termina rebasando a todos. Lo que no desmerece el trabajo de sostener presencias con personajes que construyen diferentes planos que se abren hasta revelarnos mundos interiores de oscuras profundidades.

El espacio que busca ser funcional en los niveles y en su ausencia de color, se presta muy bien para el juego escénico de la presencia constante del otro, para la mirada del otro. La dirección de arte (Gisella Ramírez), sin dejar de lado su enfoque minimalista, necesita exploraciones que linden y acompañen los riesgos de la mirada del director. En este sentido, el espacio permite que el espectador todavía tenga el chance de refugiarse en el anonimato, algo que se construye en la relación de la escena con la sala; si el texto puede convertirse en el gran pretexto para que el director grite aquello que necesita gritar, el espacio debe convertirse en el adecuado soporte para una teatralidad que no termina en el espacio de la representación.

“Diferente” es la palabra que suele acompañar a dramaturgo y director cuando se refieren a la obra, algo innecesario pues la diferencia es inherente a la creación artística. Page cumple su rol con eficacia y audacia en un medio donde la búsqueda de la “buena puesta en escena” es la medida de la creatividad. Definitivamente, complacencia y comodidad no es algo que encontraremos en este montaje, pero sí casi dos horas de intensidad si aceptamos el reto de sumergirnos en estos mundos posibles que solo el teatro es capaz de darnos.

Beto Romero
23 de junio de 2017

Estreno: PLÁSTICA CARNE

“¿Qué es ser mujer?”

Proyecto Escénico dirigido por María Alejandra Ramírez

Estreno: Miércoles 28 de Junio a las 8:30 pm.
BREVE TEMPORADA: Los miércoles 28 de junio y 5-12-19 de julio 
(Pre-venta: del 04 al 27 de junio)

PLÁSTICA CARNE, obra ganadora del premio de Iberescena 2016 del dramaturgo peruano Pepe Santana, se estrena por primera vez el miércoles 28 de Junio en el Teatro Mocha Graña, en Barranco.

En la sociedad de consumo en la que vivimos es importante mostrar cómo la mirada del otro y su opinión sobre el cuerpo femenino puede llevar a definir la feminidad. “¿Qué es ser mujer: tetas, culos?, ¿Qué es lo que el otro quiere mirar?  Ya es más difícil aceptar tu cuerpo porque la opción está ahí, porque ya no hay gente fea, hay gente sin plata. ¿Y tú te lo harías? ¿Por qué no?”

Plástica Carne nos lleva al mundo de un grupo de mujeres que decide enfrentarse  a las siliconas y al bisturí en busca de la mujer perfecta. ¿Acaso existe? ¿Podrán encontrarla? ¿Cómo hacemos para acercarnos a ella? Son preguntas trataremos de hacernos junto a este grupo de mujeres que nos cuentan sus testimonios.

El montaje es un proyecto escénico dirigido por María Alejandra Ramírez, con las actuaciones de Rosalía Hernández y Ana Moloche, todas gestoras del proyecto y  estudiantes de último ciclo de Artes Escénicas de la PUCP; junto a Araceli Campos, actriz.  

Dentro del marco del curso Proyecto Final de la carrera de Artes Escénicas en la facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú; se llevará a cabo una breve temporada, que consta de  CUATRO ÚNICAS FUNCIONES, las cuales serán los días miércoles 28 de Junio, 5, 12 y 19 de Julio en el Teatro Mocha Graña (Barranco).

Venta de entradas:
En la boletería del teatro o mandando un mail a produccion.plastica.carne@gmail.com
Pre-venta: hasta el 27 de Junio.

PLÁSTICA CARNE
Escrita por Pepe Santana

Dirección General: María Alejandra Ramírez
Elenco: Araceli Campos, Rosalía Hernández y Ana María Moloche.
Temporada: Miércoles, del 28 de Junio al 19 de Julio.
Horario: 8:30 p. m.
Lugar: Casa Cultural Mocha Graña (Avenida Sáenz Peña 107 – Barranco)

Precio de entradas
Pre-venta:
Estudiantes: S/.15
General: S/.20

Temporada Regular:
Estudiantes: S/. 20
General: S/. 25

Plástica Carne - Producción Ejecutiva

Alejandra Rivera| 997 049 292 | produccion.plastica.carne@gmail.com